Publizierungen von: Elmira Rafizadeh

Im vergangenen Jahr habe ich die Preisverleihung selber live miterlebt. Gutgläubig wie ich bin, war ich begeistert über die wunderbaren hochprofessionellen Clips, die nominiert waren. Ein phantasiereicher Mix aus allen Genres konnte bestaunt werden. Meine persönlichen Favoriten darunter:

ONCE UPON A COFFE
PULS DER ZEIT (Gewinner „beste Kamera 2011”)

Generation „Aufklärung via Facebook” belehrte mich dann eines besseren! Vor einigen Tagen kursierte bei Facebook der oben verlinkte Spot „Wir bitten um eure Aufmerksamkeit”. Hier haben junge Filmemacher Modalität und Teilnahmebedingungen vom „99Fire Films Award” im Hinblick auf die Filmrechte mal etwas genauer unter die Lupe genommen. Ihre Erkenntnisse sind im 99 Sekunden langen Clip – den sie zum Wettbewerb eingereicht haben – eindeutig dargestellt.

Ich bin sehr gespannt, ob die offene und kritische Botschaft es in den Kreis der Nominierten schafft, bzw. ob die Entscheidungsträger sich einen solchen Riss ins Image der glanzvollen Veranstaltung erlauben möchten.
Alternativ gibt es ja in manchen Bereichen erfreulicherweise noch ein Mitspracherecht durchs Volk. So können wir auch hier in der Kategorie „Publikumsvoting” am heutigen Tag unter 99 ausgewählten Clips mit wählen. Ob diese schöne Offenbarung der jungen Filmemacher unter die 99 kommt, ist noch offen.

Ab 15 Uhr (Freitag, 10.02.2012) ist Voting-Start. Infos dazu hier!

Ich finde dieser Beitrag hätte es verdient, oder?

Endlich wieder ein neues Serienhighlight, war mein erster Gedanke. Das gesamte Packet stimmt. Nicht nur Look, Qualität und inhaltlicher Erzählbogen, sondern insbesondere das blendend aufgelegte Ensemble (Casting: Suse Marquardt / BVC) beeindruckt durch vielschichtige Figurentiefe, Humor und Biss. Burn-Out-frisch-aus-der-Psychiatrie-Komissarin mit übersinnlichen Intuitionen (Anja Kling) trifft auf toughe lümmelhafte Gören-Kollegin (Britta Hammelstein). Beide eigensinnig, verstört und doch irgendwie empathisch. Helden-Figuren, wie man sie sonst nur aus amerikanischen Vorbild-Serien kennt und bewundert. Aneckend, ambivalent und sexy. Britta Hammelstein gilt hierbei als „die Entdeckung“ in ihrer Rolle als Lucy Palm und „macht die Serie sehenswert“ laut Fokus.

Ein „Mix aus The Mentalist und Irre“ beschreibt die Süddeutsche, „Diese Ladys bieten allerbeste Krimikost“, sagt TV Direkt, „Ungewohnt und aufregend gut“, findet TV Spielfilm, „Mit Hannah Mangold & Lucy Palm könnte dem Sender wieder Serienpotenzial gelingen(…) Verblüffende Szenen und rotzfreche Dialoge“, urteilt Focus weiterhin.

Astrein, dachte ich. Die Presse ist auch auf meiner Seite, dann kann ja nichts mehr schief gehen, wenn es da nicht dieses gewisse böse Orakel namens Quote geben würde, das über uns schwebt. Die Ernüchterung folgte am nächsten Morgen: Lediglich 2,98  Mio Zuschauer mit einem Marktanteil von 9,2 %. Übersetzt: Zu wenig! Im Umfeld von „Um Himmels Willen“ und „In aller Freundschaft“ (ARD), „Die Simpsons“ (Pro 7), „CSI: Miami“ (RTL) oder „Daniela Katzenberger“ (VOX) ist es „Hannah Mangold und Lucy Palm“ nicht gelungen sich durchzusetzen. Tragisch!

„Der Zuschauer kriegt was er verdient“, habe ich mal hier gelesen. Aber wie lange kann es noch angehen, dass wir von hirnamputierten Katzenberger-Sendungen und Dschungel-Camps regiert werden? Innovative Angebote wie dieser Pilot sind wahre Schätze, nach denen wir uns doch immer sehnen. Generation Wut-Bürger schimpft hierzulande immer gerne und lauthals über das schlechte Fersehprogramm, aber wenn es dann endlich mal ein Häppchen Feinkost gibt, wird doch lieber der gewohnte Cheesburger  konsumiert.

Gut, die Ergebnisse einer Quote sind ansich ja nicht mehr zeitgemäß, wenn man bedenkt, dass nur anhand von 5.100 Haushalten die Fernsehgewohnheiten aller Deutschen ermittelt werden. Darüber hinaus werden nicht-EU Bürger gar nicht erst mit gezählt, Hotels, Public Viewings, versetztes Fernsehen, Internet u.s.w. auch nicht. Wir berichteten darüber bereits im cn-special „Die Einschaltquote“. Oder gut zusammengefasst auch im cn-klappen Interview mit Regisseur Hans Weingartner. Ich persönlich bin also ohnehin eine Kritikerin der allgegenwärtigen Quoten Erhebungs-Methode, die von ihren Wurzeln an schon nicht mehr repräsentativ ist. Aber das ist eine andere Baustelle.
Wir müssen mit diesem herrschenden Übel wohl vorläufig noch auskommen.

Aber wie geht es nun weiter? Vorgestern kam die Pressemeldung, dass „Hannah Mangold & Lucy Palm“ dennoch eine zweite Chance erhalten. „Wolff – Kampf im Revier“ wird dagegen keine Fortsetzung erleben. Eine verwunderliche Entscheidung, wenn man bedenkt, dass die Quote von Wolff sogar ein wenig besser war.
SAT.1-Geschäftsführer Joachim Kosacks Statement dazu: „Das positive Presse-Echo, die erneut hohe Qualität der weiteren Bücher und unsere intensive Marktforschung haben uns überzeugt: Wir glauben an das Format und die grandiose Besetzung der Hauptfiguren. Deshalb haben wir einen zweiten Teil von „Hannah Mangold & Lucy Palm“ in Auftrag gegeben“.

Schulterklopfen bei Sat.1, große Freude bei der schon entstandenen Fan-Base und allen Mitwirkenden. Ein Privatsender als großer Widerstandskämpfer gegen die Quote??? Eigentlich absurd, oder? Allerdings! So sehr man es sich auch wünschen würde, aber aus reiner Nächstenliebe und Idealismus ignoriert kein wirtschaftlich orientiertes Unternehmen den Quotenwettbewerb. Die Quote ist die heiligste Währung der Programmmacher. Und man kann es ihnen auch nicht übel nehmen. Anders als die gepolsterte Lage der Öffentlich-Rechtlichen Sender mit mehr als 7 Milliarden € GEZ Einnahmen existieren Privatsender über den Verkauf von Werbung. Je besser die Quote, desto mehr Werbung und desto teurer je nach Sendeplatz. 20.15 Uhr heißt auch nicht umsonst Prime-Time, denn da sitzen die Meisten Deutschen vor der Glotze und der Rubel rollt.

Nun finden die Dreharbeiten zum nächsten 90-minüter von Hannah und Lucy bereits am 14. Februar bis 15. März 2012 in Berlin und Umgebung unter der Regie von Florian Baxmeyer statt. Bei dem kurzen Vorlauf liegt natürlich die Vermutung nahe, dass sämtliche Vorbereitungen schon längst im Gange waren. Das Drehbuch steht, Regisseur, Cast, Settings u.s.w. zaubert niemand mal eben innerhalb einer Woche aus dem Hut. So würde ein Abbruch des laufenden Prozesses wohlmöglich noch größere finanzielle Schäden bedeuten, sodass man dem ganzen noch die besagte Chance gibt. Die Ausstrahlung ist im Herbst geplant. Wenn dann wiederholt dürftige Quoten aufkommen, bedeutet das mit Sicherheit das endgültige aus der Sendung. Also nicht zu früh freuen, denn von einer seriellen Fortsetzung ist noch nirgends die Rede. Man darf erstmal auf die Ergebnisse der nächsten Folge blicken und Daumen drücken.

Positiv zu bewerten ist jedenfalls, dass die großen Privatsender mit ihren neuen Serien nach und nach ein sehr anschauliches und eigenes Serien-Profil aufbauen. Es ist mir ein Rätsel, warum unsere Öffentlich-Rechtlichen Programme, die gegenüber Privatsendern  ganz andere finanzielle Sicherheiten haben, gleichwertige Entwicklungen nicht zustande kriegen. Stattdessen wurde 2011 starkbrüstig für die neuen ARD Vorabend-Krimis „Heiter bis tödlich“ geworben. In dem Satz stimmt nur das Wort „neu“ nicht so ganz. Gut und schön, dass unser Heimat-Krimi-Dirndl-Potential noch immer nicht ausgeschöpft ist und die ARD für deutsche Fiction diesen Programmplatz adelt, aber was uns fehlt ist doch am aller wenigsten noch mehr Krimis!!!
Im Fahrwasser von – ich hole mal tief Luft – „Tatort“, „Polizeiruf“, „Soko“, „Ein Fall für zwei“, „Der Kriminalist“, „Wilsberg“, „Rosenheim-Cops“, „Notruf Hafenkante“, „Mord mit Aussicht“, „Großstadtrevier“, „Der Staatsanwalt“, „Stubbe“, „Komissar Stolberg“… – aaaausatmen! – frage ich mich: ist bei ARD und ZDF der Finger auf dem Dauer-Kriminalisierungs-Knopf festgeklebt, oder was?

Wir haben nicht einmal eine einzige deutsche Schul-Serie für Nachwuchs und Jugendliche, geschweige denn andere abwechslungsreiche Genres. Sowas wie „Türkisch für Anfänger“ scheint ein Jahrhundertwerk der ARD gewesen zu sein. Obwohl es immerhin zu fünf Staffeln kam, gab es keine vergleichbare Alternative mehr. Auch die mit dem Grimme-Preis ausgezeichnete Mini-Serie „Klimawechsel“ von Doris Dörri gehörte zu den seltenen Kostbarkeiten, die jedoch leider mal wieder spät am Abend versendet wurden. Dabei war die Idee wirklich frisch und kein Abklatsch von…

Stattdessen leben uns die Privatsender die Serien-Innovation vor, die eigentlich Aufgabe des öffentlichen Rundfunks wäre. Obgleich die Privaten sogar einem höheren Risiko ausgesetzt sind. Zugegeben, dort ist Mord und Totschlag nicht weniger im Trend, aber immerhin sind aus „Alarm für Cobra 11“ oder „der Letzte Bulle“ Marken mit Alleinstellungsmerkmal geworden. Bücher, Charaktere, Stil und Stimmung sind auch bei „Countdown“ oder nun bei „Hannah Mangold und Lucy Palm“ in ihrem Umfeld halbwegs einzigartig. Und neben diesen Krimis wagt man sich auch an Sachen wie „Danni Lowinski“, dem Revival von „Der Lehrer“ oder aktuell bei RTL in der Pipeline: „Sekretärinnen“.

Bei einem Tatort oder Polizeiruf dagegen könnte ich beim einschalten erstmal nicht einordnen, welches der zahlreichen Krimis ich mir da grad anschaue, wenn nicht die Komissare bereits bekannt für das jeweilige Produkt wären. Sprich, man könnte genauso ein Buch vom Polizeiruf als Buch für den Tatort anlegen. Oder umgekehrt.

„Das deutsche Fernsehen handele oft nach dem Motto „Wir machen etwas, was wir schon gesehen haben, weil es dann Erfog hat“. In den USA würden Verantwortliche, vor allem bei Kabelsendern, ihren Autoren hingegen eher sagen: „Macht etwas, das wir noch nie gesehen haben“. Das einseitige Schielen auf die Quote sei ein systemisches Problem, das innovativere Formate verhindere.“ laut unserem Kollegen aus dem outtakes Beitrag „Fernsehserien: besser als Kino?“.

Die Quote sei „die Mutter aller Missstände“. Auch wenn ich dankbar für die Nachrichten, Dokus und manchmal erstklassigen Fernsehfilme bin, die uns vorwiegend im ÖR TV geboten werden, sollte das staatliche Fernsehen deutlich nachlegen. Man kann es nicht oft genug schreiben, sagen, denken, schreien, und wieder von vorne.

Ich jedenfalls freue mich nun auf die nächste Folge von Hannah und Lucy und kann jedem nur empfehlen, zur nächsten Ausstrahlung dabei zu sein! Dann steigern wir evtl. auch unsere Chancen auf weitere qualitativ hochwertige Serien. Ob nun bei Sat.1 oder ARD. Wer zuerst kommt, mahlt zuerst.

Aber nun sind die Geburtshelfer da: Durch die großzügige Unterstützung von Sponsoren wie „Sony Ericsson“ kann am 12. Dezember der erste Geburtstag gefeiert werden. Eine glamoröse Gala mit anschließender After-Party steht bevor.

Nun fragt man sich natürlich, wie das inhaltlich über die Bühne gehen soll.
Kurz nach Bekanntgabe der Pressemitteilung kamen wie erwartet genau die Fragen auf, worüber sich BFFS-Vorstände sicherlich immernoch den Kopf wund reiben.

Zur Gestaltung der Kategorien, Auswahl der Plakatentwürfe oder Ideen zum Losverfahren werden auf der Facebook-Seite „Deutscher Schauspielerpreis“ bereits Meinungen eingeholt. Auch Vorschläge dazu, welche Schauspieler nominiert werden sollen, sind erwünscht.

Allen voran stand auch die Frage im Raum „Wie man alle knapp 2000 BFFS-Mitglieder samt der ganzen anderen Produzenten, Caster, Agenten, Regisseure u.s.w. räumlich unterkriegt?“

Zunächst einmal ist es wichtig, überhaupt irgendwo anzusetzen. Und da die finanziellen Mittel auch nicht grenzenlos sind, wollte man schon mal „klein“ anfangen.
Zur Preisverleihung können maximal 600 Plätze durch Bestuhlung eingerichtet werden. Zur After-Party danach sind alle weiteren BFFS-Mitglieder plus einer Begleitperson eingeladen.

Hans Werner Meyer beschreibt diesen Vorgang im aktuellen Newsletter wie folgt: „Vor eine ähnliche Schwierigkeit stellt uns die Gestaltung der Preisverleihung selbst. Denn die wirksamste Währung im Zusammenhang mit einer Preisverleihung ist die Aufmerksamkeit, die ihr zuteil wird. Und um eine größtmögliche Aufmerksamkeit zu erreichen, ist ein gewisser Glanz-Faktor von entscheidender Bedeutung, Entscheidungsträger aus Politik und Branche sind wichtig. Natürlich müssten eigentlich alle BFFS-Mitglieder dabei sein können und wir würden uns nichts lieber wünschen. Mit dem engen finanziellen Rahmen, der uns im ersten Jahr zur Verfügung steht, ist dies aber leider beim besten Willen nicht umsetzbar. Wir werden die Preisverleihungsgala auf 600 Plätze beschränken müssen. Ein Teil dieser Plätze wird natürlich an BFFS-Mitglieder gehen, die Lostrommel wird entscheiden. Wir bitten hierfür um Euer Verständnis und freuen uns, wenn wir im Anschluss auf der großen BFFS-Party, zu der selbstverständlich alle BFFS-Mitglieder mit Begleitung eingeladen sind, mit Euch ein rauschendes Fest feiern können.“

Das ist eine absolut nachvollziehbare und gute Lösung, wie ich finde.
Angestrebt wird natürlich – mit wachsenden Mitteln – das Event von Jahr zu Jahr zu erweitern. Und mal ganz ehrlich, die meisten Preisverleihungen sind ohnehin eine Zumutung für das Sitzfleisch, die Blase, den Magen… die Kollegen können es doch eh kaum erwarten, endlich zum vergnüglichsten Teil der Veranstaltung überzugehen: An die Bar und ab auf die Tanzfläche!

Neben der Würdigung von Schauspielleistungen geht es ja in erster Linie auch um unser Selbstwertgefühl und Ansehen als Schauspieler. Was andere Verbände mit jahrzehntelanger Erfahrung weltweit längst praktizieren, hat sich der gerade mal sechs Jahre alte BFFS in kürzester Zeit aufgebaut. Mit dieser Verleihung wird unserer Berufsgruppe sicherlich ein großer Mehrwert zuteil.

Vorab schon mal: Herzlichen Glückwunsch!

81 Tage sind nach heutigem Stand noch füllbar, das Ziel: Eine Million Euro. Dagegen hatte das Star-trächtig besetzte Crowdfundig Projekt „Hotel Desire“ gerade mal 170.000 € eingenommen. Nach wochenlangem Countdown ging zwar die gewünschten Summe auf den letzten Drücker noch ein, allerdings wurde das Projekt im Vorfeld auch durch viele Marketing- und PR-Kampagnen angetrieben. In zahlreichen Medien wurde das pornografische Genre thematisiert, dass der aufstrebende Jungregisseur und Schauspieler Sergej Moya mit seinem Cast  (u.a. Clemens Schick, Herbert Knaup) mittlerweile fertig inszeniert hat. Verhältnismäßig war das schon eine kleine Erfolgsgeschichte für den deutschen Crowdfunding Markt.
Gegen die Stromberg-Liga ist das aber wohl eher ein kleineres Sümmchen. Die Stromberg Fangemeinde kann sogar auf eine Rendite hoffen: An den Erlösen der Kinoauswertung sollen die Investoren beteiligt werden. Das Investitionsmodell wird auf der offiziellen Seite wie folgt beschrieben:

„Mit „Anteil“ wird das Recht bezeichnet, an den Erlösen aus der Kinoauswertung des Films beteiligt zu werden. Alle Personen, die solche Anteile erwerben, werden einzeln als „Investor“ und zusammen als „Investorengemeinschaft“ bezeichnet.
Wenn der Film produziert wird und im Kino läuft, wird die Investorengemeinschaft am Erfolg der Kinoauswertung des Films beteiligt. Dazu wird an die Investorengemeinschaft pro verkauftem Kinoticket ein Teil der Erlöse in folgender Höhe ausgeschüttet:
- 1,00 Euro für jedes verkaufte Kinoticket bei bis einschließlich 1 Million verkaufter Kinotickets
- 0,50 Euro für jedes weitere verkaufte Kinoticket bei über 1 Million verkaufter Kinotickets.
Mit 50 € bis 1000 € kann man an der Realisierung des Films also mitwirken. Sobald die Million bis zum 14. März 2012 eingegangen ist, sollen im Frühjahr die Dreharbeiten losgehen.

Hierzu ruft Bernd Stromberg sogar in einer Videobotschaft sehr sympathisch als Privatperson „Christoph“ seine Fans zur Beteiligung auf: „Dieses Angebot richtet sich an meine Fans, weil Ihr überhaupt dafür gesorgt habt, dass diese Serie im Fernsehen überlebt hat und Ihr könnt Sie jetzt sogar ins Kino bringen(…)“

Für die Zukunft deutscher Kinoproduktionen werden solche oder ähnliche Modelle sicherlich eine Rolle spielen. Kinofilme sind immer schwieriger finanzierbar.
Für viele junge Filmemacher, die es schaffen ihre ersten Werke auf die Leinwand zu bringen, kommt es erst dann zu den bezahlten Aufträgen, wenn sie fürs Fernsehen inszenieren/arbeiten „dürfen“. Ein deutscher Fernsehspielfilm hat teilweise mehr Budget als ein hochwertiges Kinoprojekt. „Letztendlich ist in Deutschland Fernsehen eine Industrie und Kino eher eine Manufaktur“.

Offizielle Crowdfundig Seite von Stromberg – der Film

1997 An Dorthe Braker (BVC) | 1998 Heta Manscheff (BVC) | 1999 Nessi Nesslauer | 2000 Anja Dihrberg (BVC) | 2001 Rita Serra-Roll | 2002 Simone Bär | 2003 Sabine Schroth (BVC) | 2004 Risa Kes | Pause | 2008 Franziska Aigner | 2009 Nina Haun (BVC) | 2010 Ulrike Müller (BVC)

Auffällig ist, dass bislang ausschließlich weibliche Kandidatinnen abgeräumt haben. Was sicherlich auch mit der Verhältnismäßigkeit zu tun hat. So gibt es in Deutschland tatsächlich nur etwa 17 Prozent männliche Casting Directors. Sabine Schroth kommentierte das mal in einer Frauenzeitschrift: „Für Regisseure und Produzenten sind wir ein willkommenes Korrektiv ihres eigenen Geschmacks. Wir repräsentieren ganz nebenbei den weiblichen Teil des Publikums.“

Was nicht heißt, dass die männlichen Besetzungsprofis weniger einfühlsam wären oder keine frauenaffinen Filme vorbildlich besetzen könnten. Schließlich haben sich unter anderem Stephen Sikder (BVC), Marc Schötteldreier (BVC), Uwe Bünker (BVC), Clemens Erbach (BVC), Emrah Ertem oder Siegfried Wagner (BVC) auf ihrem Gebiet und mit langjähriger Erfahrung bereits einen Namen gemacht.

Die Jury-Entscheidung zum Casting-Preis wird jedenfalls demokratisch und anhand eingereichter aktueller Projekte gefällt. So wurde die vergangenen Jahre etwa Franziska Aigner für ihre Besetzung in „Die Welle“, Nina Haun für „Alle anderen”, „So glücklich war ich noch nie”, „Hilde” und Ulrike Müller unter anderem für „Die Fremde“ ausgezeichnet.

Dieses Jahr setzte sich die Jury zusammen aus Barbara Thielen (Leiterin Fiction/Serie RTL), Torsten C. Fischer (Regisseur), Ulrich Höcherl (Chefredakteur „Blickpunkt Film“), Martin Zimmermann (Produzent 20.15 Film- und Fernsehproduktion) und Dr. Martina Richter (Direktorin der Cologne Conference). Das Preisgeld wird von der Bavaria Film, der Colonia Media und Westside Filmproduktion gestiftet.

Es gab insgesamt 61 Filmeinreichungen, aus denen insgesamt 35 Casting Directors nominiert wurden. Die Jury Entscheidung zu Gunsten von Sophie Molitoris fiel einheitlich aus. Alle fünf Jury-Mitglieder haben eine ihrer fünf Stimmen an Molitoris gegeben, die mit dem Fernsehfilm „Neue Vahr Süd“ (Regie: Hermine Huntgeburth | Buch: Christian Zübert) überzeugen konnte – schon der zehnte Film, bei dem sie mit der Regisseurin zusammengearbeitet hat.

In Sophie Molitoris Portfolio können sich aber noch ganz andere Schätze sehen lassen. So war sie etwa schon für die Besetzung in Fatih Akins Kino Debüt „Kurz und schmerzlos“ verantwortlich. Es folgten die Akin-Filme „Im Juli“ (2000) und „Solino“ (2002).

In einem Interview mit Tina Thiele antwortete Molitoris mal auf die Frage, welche Eigenschaften ein Casting-Director haben sollte: „Menschenliebe, Offenheit, gute Menschenkenntnis, Empathie, also Fähigkeit der Einfühlung. Während des Castings/Vorstellungsprozesses den Schauspieler-/in zunächst ankommen lassen und auch bei Unsicherheiten Sicherheit vermitteln können. Professionelle Abgrenzung, lachen können, seinen Beruf immer und immer wieder lieben. Dazu gehört auch sicher Organisationstalent, Flexibilität und Diplomatie.“ Und was ist für Sie ein guter Cast? „Wenn ich die Schauspieler-/innen im Film vergesse und nur noch die Charaktere sehe. Authentisch eben.“

Ein ganzer Tag zum Thema Casting: Ein Zusammenschnitt des Werkstattgesprächs mit Sophie Molitoris sowie der feierlichen Preisverleihung im Gerling Quartier Köln am 30.09. wird als cn-klappe demnächst zu sehen sein.

Weitere Informationen gibt es auch auf der Homepage der Cologne Conference.

Einem prominenten Kollegen fiel überhaupt nichts Positives ein außer: „Koks und die Frauen die man dann alle umsonst haben kann“. Ah ja, und sonst? Ich war schließlich auf der Suche nach vorbildlichen Ereignissen oder Entwicklungen, die man im Rahmen einer solchen Veranstaltung auch mal würdigen könnte. „Es muss ja nicht immer alles negativ sein“ kommentierte letztens eine mir bekannte PR-Agentin. Natürlich behandeln wir bei out takes viele Brisanzthemen, die uns in der Filmlandschaft beschäftigen oder Sorgen bereiten. Es ist auch wichtig, über die Haus- und Hofpolitik mancher Institutionen oder Gesetzgebungen offen reden und diskutieren zu können. Selbst wenn die Leidenschaft für die kreative Arbeit oftmals „Leiden“ „schafft“, gibt es auch Perlen und Licht am Ende eines Tunnels zu entdecken, sonst würden wir alle unsere Berufe als Autoren, Schauspieler, Beleuchter, Regisseure, Produzenten, Kameraleute u.s.w. ja nicht machen. Bei den Meisten Befragten ließ sich zwar immer noch raushören „was besser laufen könnte“, anstatt was gegenwärtig tatsächlich „gut läuft“, doch es gab mitunter auch hoffnungsvolle Stimmen. Hier eine kleine Auswahl:

Karoline Schuch (Schauspielerin, „Tatort“ Köln, „Zeiten ändern Dich“): Ich finde es schön, dass wir alle irgendwie gemeinsam an etwas glauben. Wir haben in der Branche die gleichen Sorgen und Ängste. Vieles wirkt oft verschleiert und aufgesetzt, aber im Grunde verbindet uns auch sehr viel. Wenn man für etwas einsteht und hart gekämpft hat, wird das auch belohnt. Und ich freue mir so einen Ast ab, wenn ein Film wie „Kriegerin“ heute Abend den First Steps Award gewinnt. Besonders freue ich mich für meinen Kollegen Gerdy Zint, der dort die männliche Hauptrolle gespielt hat. Für ihn war der Weg oft sehr hart, daher ist dieser Preis wirklich hochverdient. Der Zusammenhalt ist bei so was eben sehr stark.

Patrick Simon (Redakteur Sat.1): Ich finde es positiv, dass aufgrund der budgetierten Situationen Autoren, Produktion und Regie immer mehr zusammenwachsen. Mit starren Systemen, wo nur eine Person im Elfenbeinturm sitzt, wird immer mehr aufgeräumt. Als zweites finde ich gut, dass es wieder Normalität wird, dass auch gestandene Schauspieler oder Prominente zu Castings gehen. Und  positiv ist auch, dass von Low Budget bis hin zu den grossen Events alle Genres wieder mehr bespielt werden. Sodass die Romantic-Comedy nicht zur Einbahnstrasse wird.

Birthe Wolter (Schauspielerin u.a. „Tatort“ Stuttgart, „Schillerstraße“): Die Frage ist im Grunde schwierig. Denn es gibt zwar nette Sachen wie, dass ich Klamotten gesponsert kriege, wenn ich viel drehe, und mich dann fühlen darf wie eine Barbie, obwohl ich früher nie mit Barbies gespielt habe … (lacht). Aber es gibt nun mal nicht für jeden Rollen. Natürlich finde ich es schön was wir machen, wenn wir es mal machen, aber es könnten auch ruhig mal wieder mehr verschiedene Gesichter auftreten. Ansonsten ist es für uns Schauspieler natürlich toll, dass man sehr viel über sich selber lernt und seine Kreativität ausleben darf.

Pablo Sprungala (Schauspieler u.a. „Soko Leipzig“): Ich finde es positiv, dass 99 Prozent meiner Kollegen nett und angenehm sind. Es ist normal, dass in Krisenzeiten alles negativ bewertet wird. Aber am heutigen Abend konnte man sehen, dass Produktionen von jungen aufstrebenden Autoren und Filmemachern auch honoriert werden. Filme wie „Kriegerin“ oder „Hell“ zeigen, dass sich hier eine junge Generation an Filmemachern auch mal an sperrige Themen heran traut, jenseits von den sonst zu oft thematisierten Hausfrauenproblemchen. Das macht Mut, darauf habe ich Bock.

Gerdy Zint (Schauspieler, „Kriegerin“, First Steps Award 2011): Es bedeutet mir wirklich sehr viel, dass ich die Leute mit meiner Spielfreude und Energie unterhalten kann. Ich habe schon viel gekämpft in diesem Beruf. Heute Abend haben wir den First Steps Award für den besten Film gewonnen und davor in München zwei Preise beim Förderpreis Deutscher Film. Trotzdem gehe ich morgen früh wieder auf den Bau arbeiten. Ich bin parallel gelernter Dachklempner. Ich habe begriffen, dass es gut ist, geerdet zu sein, nicht rumzusitzen und auf die große Rolle zu warten, sondern weiter zu machen. Man ist nichts besonderes, nur weil man Schauspieler ist. Man ist ja immer noch ein Mensch und das ist ein Beruf wie jeder andere. Schön ist beim Film, so unglaublich viele interessante Menschen kennen zu lernen und viele verschiedene Spielstädten zu bereisen. Meinen Sohn immer mit zum Dreh nehmen zu können, ist auch klasse. Dass durch Preise wie First Steps Award die Leistung der Nachwuchsleute gefeiert wird, ist super. Gleichzeitig kritisiere ich bei all dem Hype aber auch, dass die Schauspieler in solchen Studentenfilmen leer ausgehen. Denn ausgezeichnet werden in der Regel nur die Regisseure oder Produzenten. Dass keiner mal auf die Idee kommt, sich auch für die Schauspieler einzusetzen, die mehrere Wochen umsonst gearbeitet haben, ist echt enttäuschend. Ein kleiner Obolus wäre schön. Oft sind Preisgelder nämlich an weiterführende Projekte gebunden. Natürlich ist der Preis für „Kriegerin“ ansonsten absolut verdient für das Buch und die Regie.

Golo Euler (Schauspieler, „Henker & Richter“, „Kasimir und Karolin“, Bester Schauspieler beim Förderpreis Deutscher Film 2011): Ich finde es super, dass man Sachen machen kann, die man sonst nicht machen darf. 
Man lernt und entdeckt so viele Dinge in unserem Bereich. Ausserdem macht es so großen Spaß, als Schauspieler mal eine Prise Schwiegersohn oder mal eine Prise Geheimagent zu sein. Weiterhin finde ich die Arbeit des BFFS sehr gut! Der Verband wächst und wächst und wird immer aktiver und ein immer wichtigerer Spieler auf dem Film- Fernsehspielfeld. Das hilft, die gesichts- und stimmlosen Einzelkämpfer zu sammeln und zu organisieren.

Mein Resümee: Es gibt natürlich viel Handlungsbedarf in unserer kleinen Filmwelt. Am Ende des Tages sitzen wir aber in einem Boot, denn wir möchten alle starke und qualitativ hochwertige Filme machen. An den Bedingungen lässt sich noch arbeiten, ganz klar. Für mich persönlich sind Preisverleihungen dieser Art aber schon mal kleine Sternstunden die erkennen lassen, wie viel Mut, Energie, Passion und Bildkraft unter den Kreativen existiert. Wenn ein Film wie „Papa“ von Umut Dag (First Steps Award 2011 als bester mittellanger Film) solch eine Spannung und Stille auslöst, dass es einen in die Sitze nagelt, ist man wirklich mit jeder Faser ergriffen. Dabei sagte der Absolvent der Wiener Filmakademie selbst, er hätte es nicht für möglich gehalten, mit diesem Film die Jury zu beeindrucken. Er habe ja völlig untypische Stilmittel verwendet, teilweise dokumentarisch und mit vielen Jump-cuts gefilmt.

Berührend zu beobachten war auch, wie Regisseur und Autor David F. Wnendt (First Steps Award 2011, bester abendfüllender Spielfilm für „Kriegerin“) in seiner Dankesrede die Tränen nicht mehr unterdrücken konnte. Er bedankte sich allen voran bei seinen Eltern, die ihm durch ihre finanzielle Unterstützung das Filmstudium überhaupt ermöglicht haben. Auch hier kann ich mich nur den Worten der oben zitierten Kollegen anschließen.

Es wurden auch witzige Einlagen wie durch den Werbespot gegen Filmpiraterie „Wir beklauen dich doch auch nicht“ geboten. Auffällig war, dass vermehrt Themen über Migration und Integration im Leben behandelt wurden. Nicht nur in Form der klassischen Abbildung sozialer Brennpunkte, sondern auf globale Sicht und durch alle Schichten. Insgesamt also intelligente, informative und unterhaltsame Werke, die einen repräsentativen Mix aus deutschen Nachwuchsarbeiten sichtbar machten.

Völlig zurecht hatte Bernd Eichinger sich im Hinblick auf das Produzieren immer vom Motto “No Fear” leiten lassen, wie die Familie Eichinger in einer Anekdote zum Hintergrund des neuen Produzentenpreises erzählte. Denn die Angst sei die größte Bremse für Kreative.

Vielleicht hat es auch „nur“ mit der Tatsache zu tun, dass es Weingartner damals gelungen ist, den Film gänzlich ohne die übliche öffentlich-rechtliche Senderbeteiligung in die Kinos zu bringen.
Passend zu diesem Thema sind wir letztes Jahr auf den interessanten Zeit-Artikel  „Vom Volk bezahlte Verblödung – warum der öffentlich-rechtliche Rundfunk nicht leistet, wofür er Gebühren bekommt“ gestoßen. Das hat uns in der casting-network Redaktion so inspiriert, das wir innerhalb von mehreren Monaten ein ganzes cn-special zum Thema Einschaltquoten erstellt haben. Darunter befinden sich neben dem theoretischen Hintergrund zur Geschichte der Fernsehforschung, Exkurs GfK-Meter oder Exkurs Sinus-Milieus auch eine Reihe von umfangreichen Interviews mit Experten aus der Branche. Unter anderem mit Dr. Cornelia Ackers (Redakteurin BR), Sascha Mürl (Redaktionsberater Fiction RTL), Uli Aselmann (Produzent diefilm GmbH, Produzentenallianz), Eva und Volker A. Zahn (Drehbuchatoren, VDD) sowie weitere Meinungen von Casting-Directoren, Agenten und einem Medienexperten. Hans Weingartner ist in dieser Reihe ebenfalls mit einem lesenswerten Interview vertreten, dass wir im April 2011 publizierten.

Mir persönlich gefällt an seinen Filmen, dass eine gewisse Stimmung aufkommt, auch mal laut zu werden, sich nicht auf die Richtigkeit bestehender Systeme zu verlassen. Ja, ein bisschen positive Anarchie eben. Auf der Facebook-Veranstaltungsseite zur heutigen Free TV-Premiere ruft der Filmemacher sogar dazu auf: „Gucken, danach gemeinsames Glotze ausm Fenster werfen“. Das wäre ein grossartiges Szenario!

Rudel-gucken finde ich super, meinen neuen Fernseher rauszuschmeissen bringe ich jedoch nicht übers Herz.

Aber wie man der ironischen „TV-Today“-Collage oben entnehmen kann, spielt sie in gefühlten 48 Prozent aller Filme der ARD und ZDF die Hauptrolle. Ergo: ARD/ZDF-Fernsehspiele sind Zentrum aller Groschenheft-Formate? Ein Auszug aus Neubauers Filmografie offenbart uns blumige Titel wie „Ein Sommer auf Sylt“, „Die Erntehelferin“, „Schaumküsse“ oder „Folge deinem Herzen“, die diese Angabe unterstreicht.

Man erinnere sich an die amüsante Eskalation, als Regisseurin Doris Dörri ihrem Neubauer-Unmut in einem Gespräch mit „TV-Spielfilm“ freien Lauf ließ: „Wenn ich noch eine Frau sehe, die eigentlich 50 ist, aber sagt, sie ist 35, und einen Bauernhof in Afrika aufmacht, dann hole ich das Maschinengewehr.“ Zwar entschuldigte sich Dörrie damals öffentlich für ihre Bemerkung, legte im „SZ-Magazin“ aber scharfe Kritik mit den Worten nach: „Ich bestehe darauf, dass die Programmverantwortlichen komplett bescheuert sind, 115 Filme im Jahr mit ihr zu zeigen.“

Die Neubauersche Überpräsenz treibt nicht nur viele Filmemacher und Schauspieler, sondern sicherlich auch das Publikum von 14 bis 49 zum Stöhnen. Die Frage ist: Sind wir gereizt von Frau Neubauers Monopol-Dasein oder vielmehr durch die Tatsache, dass die Heimatschnulze zum medialen Dauerunfall wird?

Ich kenne keinen Schauspieler, der sich nicht in wechselnden Figuren zeigen wollte. Ein Leben lang „den Bösewicht“ oder „die Prinzessin vom Lande“ spielen kann doch langfristig keine Erfüllung sein. Aber kommt man aus so einer Schublade je wieder raus? Und will das eine Frau Neubauer überhaupt? Immerhin kann sie von ihrem Beruf sehr gut leben, und im Zeitalter von sinkenden Budgets und massiger Arbeitslosigleit sitzt sie mit ihrem Genre stabil im Boot und ist absolut sicher vor dem Ertrinken. Eine düstere Rolle fernab der etablierten Idylle würde ihrem Image und folglich den Produzenten und Sendern, mit denen sie arbeitet, auch nicht unbedingt gut tun. „Sie habe nie in einem ,Tatort‘ mitgemacht, zu grau, zu kriminell ist die Krimiwelt für eine wie sie“, heisst es in „Die Vielspielerin“, wo sich weitere Statistiken zu ihrer Arbeit sehen lassen können.

In der aktuellen Print- wie auch Online-Ausgabe der „TV Spielfilm“ ist nun ein interessanter Artikel zum Thema „Schauspieler-Gagen: Wer verdient wie viel?“ zu finden. Dazu wird von einer Leserin unter anderem kommentiert: „Kein Wunder, dass Christine Neubauer jede Rolle annimmt und Tanja Schumann (,RTL Samstag Nacht‘) heute Teleshopping macht!“

Nur, um es noch einmal klar zu stellen: Es wird immer gern behauptet, Schauspieler verdienten viel, wenn nicht sogar zuviel. Im Fall von „Stars“ wie Neubauer, Ferres oder Adorf mag das auch zutreffen. Die Gagenrealität sieht beim Großteil der arbeitenden Schauspieler hierzulande aber gewaltig anders aus! Natürlich gibt es nicht nur in unserem Business, sondern in nahezu allen Berufsfeldern das Gefälle zwischen Spitzenverdienern und der mittleren bis unteren Schicht. Medienberufe und selbstständige Patchwork-Verdiener sind leider in der sozialrechtlichen Hierarchie unseres Systems massiv benachteiligt. Aber das ist wieder ein ganz eigenes Kapitel für sich…

Ein kleiner Exkurs zum Gagen-Alltag: Vergesst den Applaus, wir brauchen Geld („Spiegel-Online“), Berühmt, aber arm (NDR.de), Schauspieler in Deutschland: viel Glamour, wenig Geld (BFFS-Studie mit der Forschungsgruppe Bema an der Uni Münster).

Denn ohne die Existenz solcher Auszeichnungen gäbe es für Filmemacher in Deutschland kaum noch Möglichkeiten, sich mit Kinoformaten eine Anerkennung im Filmbusiness zu verschaffen und obendrein noch von einer finanziellen Aufmehrksamkeit zu profitieren. Wenn von „Profit“ überhaupt die Rede sein kann.

Es ist schon beängstigend, dass selbst hoch renommierte Kinoproduktionen zunehmend unter „Low-Budget“ Bedingungen realisiert werden. Als Kinomacher wird man in Deutschland kaum reich. Im Gegenteil, viele verschulden sich und investieren ihr letztes Hemd, um das Projekt überhaupt stemmen zu können.

Da meint man als branchenfremder Betrachter:  Kinohelden, sowohl vor als auch hinter der Kamera, leben wohl wie die Made im Speck und laufen über den roten Teppich. Doch das deutsche Kino leidet massiv unter der stieftmütterlichen Behandlung im Verhältnis zum deutschen TV.

Denn nur durch die Low- bis No-Budget-Mitwirkung von Schauspielern und Filmschaffenden ist die Lebenserhaltung in der gegenwärtigen Qualität überhaupt haltbar. Auch wenn in diesem Zusammenhang oft behauptet wird, dass Schauspieler „teuer“ seien oder Gagen angeblich steigen, trifft das nur auf einige wenige Kinoschauspieler zu – eine Handvoll – würde ich gar behaupten. Kinostars sind hierzulande eh sehr selten. Schweiger, Bleibtreu und Konsorten sind die wenigen Ausnahmen. Alle anderen spielen zwar in Kinofilmen mit, verdienen ihre Brötchen aber grösstenteils durch die TV-Drehs.

„Den König spielen immer die anderen. Das bedeutet: Ohne den Hofstaat sieht der König alt aus. Der Hofstaat aber, das sind die vielen hervorragenden, aber nicht prominenten Kollegen, die inzwischen oft weniger verdienen als Tiere am Set“, so der BFFS im Rahmen der Aktion “Wir gehen baden und mit uns die Kultur”

Man erinnere sich an den prägenden Auftritt von Sibel Kekilli beim deutschen Filmpreis. Für ihre Interpretationen in „Gegen die Wand“ und „Die Fremde“ gewann sie zwei Lolas als „Beste weibliche Hauptdarstellerin“ in Folge. Trotzdem blieben Angebote nach dem ersten Preis 2004 weitestgehend aus. In ihrer Dankesrede rief sie 2010 beim zweiten mal also Produzenten und Regisseure auf, ihr doch bitte zu mehr Arbeit zu verhelfen. „Ich will arbeiten, ich will drehen, bitte nicht wieder 4 oder 6 Jahre warten (…).“  Auch der Spiegel-Online Artikel „Heute Lola, morgen Arbeitsamt“ hat einen treffenden Titel dazu gewählt.

Selbst eine so tolle und bekannte Schauspielerin wie Hannah Herzsprung war überwiegend in Kinorollen präsent, die im Low-Budget-Bereich liegen. Trotz Auszeichnungen und Prominenz entscheidet sich Hannah Herzsprung für ihre Figuren nach Bauchgefühl und Überzeugung, nicht nach finanziellem Mehrwert. Doch fragt auch jemand danach, ob Frau Herzsprung von ihren wunderbaren Kinofilmen dann überhaupt leben könnte? Ein Star ohne Erwerb? Unvorstellbar, aber im Kinofach ist das leider so. Wären da nicht auch die TV-Engagements in „Weissensee“ oder „Donna Leon“ die letztlich die Brötchen reinbringen. Das Werteverhältnis zwischen Kino und TV scheint hierzulande eindeutig verschoben zu sein.

Diese Schattenseiten sieht man nach aussen nur leider nie. Berühmtheit, Qualität, grosse Leinwand und Blitzlichtgewitter bieten keine Garantie für einen finanziellen Gewinn im Kinomilieu. Wenn deutsche Schauspieler ausschließlich als Kinoträger arbeiten würden, wären sie schon längst verhungert. Nur die Mischkalkulation zwischen der Fernsehe- und Kinosparte macht es möglich.

In der cn-Interviewreihe „Hinter den Kulissen“ befrage ich auch Frau Petra Müller, Geschäftsführerin der Film- und Medienstiftung NRW zu diesem Thema. Frau Müller sieht diese Problematik eher im Diplom- und Debütfilmbereich. Hier können nunmal die zahlreichen Nachwuchstalente nicht alle gleichermaßen gefördert werden. Das leuchtet ein.

Schaut man sich auf internationalen Filmfestivals die repräsentativen deutschen Filme jedoch an, besteht die Auswahl nicht zuletzt aus Debüt- und Diplomfilmen. Sie stärken das nationale Kinorepertoire maßgeblich, bewirken weltweite Aufmerksamkeit und sind schlußendlich das Aushängeschild unserer nationalen Kinoindustrie. Sie können aber nur entstehen, weil sie durch das ungeschriebene Gesetz: „Hochschulproduktion = Low-Budget“ produziert werden. Qualitativ gleichwertige Filme sind auf branchenüblicher Ebene immer weniger finanzierbar.

So profitieren Kinoindustrie und beteiligte öffentlich-rechtliche TV-Sender nicht nur von diesen unschlagbar preiswerten Schätzen, die sie händereibend willkommen heissen können, sondern haben sich an diesen Zustand wohl auch gewöhnt. Wieso mehr Geld ausgeben, wenn man es zum Sonderangebot haben kann?
Wie diese eingeschlichene Abwärtsspirale aufzuhalten ist, bleibt also offen.
Doch sollte dieses kultur- und filmpolitische Defizit von den Filmhochschulen, Förderinstitutionen und insbesondere öffentlich-rechtlichen Sendern nicht mal hinterfragt werden?

Deutsche Kinoausstrahlungen sind zudem selten im TV-Hauptprogramm  integriert, sondern werden eher im späten Abendprogramm versendet. Für das Image Kinofilm nicht unbedingt förderlich, wie u.a. die Podiumsdiskussion des BVR im Rahmen der Berlinale 2011 mit dem Titel “Kinofilme im Fernsehen: Programmperlen oder Ladenhüter” aufzeigt.
Dagegen ist allerdings auch anzumerken, dass durch die Beteiligung vom TV die Meisten Kinofilme überhaupt erst finanzierbar werden.
Die Rolle der Filmhochschulen ist im gesamten Kostrukt ebenso eine Baustelle für sich. Die Universitäten sind schon lange nicht mehr als reine Bildungsstätten zu betrachten. Sie beeinflussen leider auch stark die marktwirtschaftliche Lage.

Selbstverständlich gehört es als Einsteiger in fast jeder Berufsgruppe dazu, erst einmal auch (unentgeltliche) Praktika zu machen oder Investitionen zu leisten, um zunächst den Fuß reinzubekommen. Doch in unserem Kinomarkt geht es vordergründig nicht mehr darum, den Talenten eine Plattform zu bieten, nein, man ernährt sich im wesentlichen aus er Nachwuchsschmiede. So werden die preisgünstigeren Erstlingsfilme zwar mitunter noch gerne aufgebaut, soll aber der zweite und dritte Film unter normalen Bedingungen finanziert werden, sieht es schon wieder ganz anders aus.

Ich befürchte, eine endlose „Low-Budget“-Kinohitliste zu sammeln, wäre hier nicht schwer. Bekanntestes Beispiel sind sogar Filmklassiker wie „Das Leben der anderen“. Wir Künstler, Kreative und Filmschaffende sind diesem Teufelskreis zwar ausgesetzt, aber man sollte das Kind auch mal öffentlich beim Namen nennen. Denn gerade im Bewusstsein der Konsumenten ist es kaum vorstellbar, dass WIR Kreativen der Kultur im Grunde das deutsche Kino schenken.

Auch Prof. Gebhard Henke (Leiter des Programmbereichs Kino, Fernsehfilm und Serie beim WDR) beschrieb im cn-Interview, wie Joachim Król damals nach seiner Rolle als Obdachloser in „Lola rennt“ zunächst unzählige Angebote bekam, einen Penner zu spielen. „Das ist ganz schön verteufelt. Man kann gleich mit dem ersten Film in so eine Schublade geraten. Das ist leider so“, so der WDR Redakteur.

Doch insbesondere die Tatsache, dass auch für Castings immer weniger Budget zur Verfügung gestellt wird, Zeitdruck herrscht und die verwalterische Schlacht sowie Recherche nach den passenden Schauspielern zunimmt, macht die Situation nicht einfacher.

Demnach hat sich das Demoband im deutschsprachigen Raum als obligatorische Visitenkarte durchgesetzt, um schnell und unverbindlich ein Talent zu überprüfen, ohne gleich reihenweise die Schauspieler quer durch die Republik zum Casting bestellen zu müssen. Spart Kosten und Wege, ganz klar. Ohne gedrehtes Material gibt es heute kaum Chancen, überhaupt wahrgenommen zu werden. Idealerweise hat man dabei eine repräsentative Auswahl der gespielten Kino oder TV-Ausschnitte auf seinem Band. Doch was ist, wenn man dort noch nicht angelangt ist? Ohne Material kein Job, ohne Job aber auch kein Material. Da beißt sich die Katze in den Schwanz. Somit wenden sich Anfänger oder Berufseinsteiger teilweise an kostspielige Institutionen, um sich Spielzsenen produzieren zu lassen. Oder man wirkt bei Kurz- und Studentenfilmen mit, um sein Repertoire für das Showreel aufzustocken.

Wenn man jedoch ständig nur die Krankenschwester spielt, oder das brave Mädchen von nebenan, kann man selten darauf aufmerksam machen, dass durchaus auch andere Figuren authentisch verkörpert werden können. Viele schieben es auf die mangelnde Fantasie der Besetzungsentscheider. Liegt aber sicherlich auch daran, dass einfach zu wenig Zeit für Live-Castings besteht und somit in kurzen Momentaufnahmen klar sein muß, dass der Schauspieler die Rolle tragen kann. Sprich: Hat man eine Rolle im Anzug auf dem Band, ist sofort klar „Ah ja, kann den Bänker spielen“. Der gleiche Schauspieler würde aber vielleicht nicht als Bänker in Frage kommen, wenn er in einer Rolle im Jogginganzug zu sehen wäre. Hinzu kommt, dass die Partner, die mit einem arbeiten wollen, am liebsten obendrauf noch die Persönlichkeit und den Mensch dahinter auf dem Showreel erkennen möchten. Wie soll man all das in wenige Sekunden verpacken, seine Betrachter in den Bann ziehen, sich als Privatperson vorstellen und zugleich klar machen: Ich kann die Prostituierte, die Bäckerin, die Putzfrau und auch Diva spielen?

Die ZAV München macht es vor! „sms – selfmadeshorties, das Festival der Showreelhits“ hieß die Aktion, bei der Schauspieler bundesweit aufgerufen wurden, ihren ganz persönlichen zweiminütigen Clip zu drehen und sich dabei so zu zeigen, wie man wirklich gesehen werden möchte. Die Kreativität, die dabei von den Teilnehmern freigesetzt wurde, ist überwältigend. Es macht wahnsinnig großen Spaß, diese humorvollen, leidenschaftlichen und erfrischenden Videos zu sehen. Man fühlt sich sofort zum Akteur verbunden und gewinnt im Grunde den allerbesten Einblick zur Person und zu den Fähigkeiten. Man wird überrascht, berührt und inspiriert.

Mit den technisch einfachsten Mitteln zeigen die Schauspieler dabei ihre Originalität und ihren Phantasiereichtum. Ca. 500 Bänder wurden eingeschickt, davon 15 nominiert und drei Gewinner vom Publikum gekürt. Im Gloria Palast Kino München durfte ich dabei sein, als die 15 nominierten Shorties uraufgeführt wurden. Als Zuschauer waren zahlreiche Casting-Directoren anwesend, darunter zum Beispiel Franziska Aigner, Silke Klug-Bader, Fritz Fleischhacker (BVC), Siegfried Wagner (BVC), An Dorthe Braker (BVC), Susanne Ritter (BVC), weiterhin Produzenten, Senderangehörige und viele Kollegen wie auch Pressevertreter.

Zuvor wurden die Nominierungen von der hier gelisteten hochkarätige Jury festgelegt.

Uwe Sophia Aldenhoven (Producerin die film GmbH)
Uli Aselmann (die film GmbH, Vorstand Produzentenallianz, deutsche Filmakademie)
Uwe Bünker (Casting-Director, Bünker Casting Berlin, BVC)
Thomas Biehl (Programmmanager dt. Fiktion + Koproduktionen Pro7/SAT.1)
Emrah Ertem (Casting-Director, finalcast Köln)
Sandra Köppe (Casting-Director, network-movie Köln)
Herbert Krätschel (Agent, Agentur ContrAct)
Stefanie von Poser (Schauspielerin, BFFS)
Götz Otto (Schauspieler, BFFS)
Hanna Schygulla (Schauspielerin, Festivalpräsidentin)

Die sms-Shorties sind eine überaus gelungene und sicherlich nachhaltige Form der Selbstdarstellung. Es ist ernsthaft zu überlegen, ob nicht jeder Schauspieler in Zukunft eine solche Präsentation auf seinem Band implementieren sollte. Das Publikum war jedenfalls schwer begeistert, es wurde gelacht, gejubelt und großer Respekt ausgesprochen. Mit Sicherheit wird die ZAV mit Daniel Philippen (ZAV München) als Initiator dieses Herzensprojekt weiter ausbauen und viele Casting-Directoren damit bereichern. Als Kooperationspartner wurde das Projekt neben casting-network, crew-united und schauspielervideos ebenso unterstützt vom Gloria-Palast, BFFS, Die film GmbH und Trailerhaus.

Die drei Gewinner:

1. Nadine Wrietz
2. Navid Akhavan
3. Genja Rykova

werden wir euch in Kürze noch einmal mit einem Making-of-Video sowie persönlichen Interviews bei outtakes vorstellen. Doch nun überzeugt euch selbst:
Alle 15 nominierten Videos hier zum Anschauen!

Viel Vergnügen!

Doch anstatt aus Protest nicht zur Fernsehpreisverleihung zu erscheinen – so  wie viele namhafte Kollegen es ursprünglich vor hatten – hat der BFFS dazu aufgerufen, lieber „Gesicht zu zeigen“ und „gute Miene zum bösen Spiel“ zu machen. Den deutlich sichtbaren Protest zeigten unter anderem Hape Kerkeling, Jessicca Schwarz, Annette Frier oder Thomas Kretschmann. Sie alle trugen die vom BFFS konzipierten silbernen Buttons mit der Aufschrift „Ich bin preiswert“. Der Slogan kann im Sinne von „preiswürdig“ als auch im Sinne von „günstig“ verstanden werden. Presse und anwesende Verantwortliche konnten dem Ausrufezeichen nicht aus dem Weg gehen. Daraus resultierend entstand die Deutsche Akademie für Fernsehen, die es sich zur Aufgabe macht quoten- und senderunabhängig – die Maßstäbe nach Qualität und künstlerischen Werten anzusetzen. Aus allen Sektionen wie Bildgestaltung, Casting, Dokumentation, Drehbuch, Kostümbild, Maskenbild, Musik, Produzent, Redaktion, Regie, Schauspiel, Filmeditoren, Szenenbild, Tongestaltung und so weiter haben sich Vertreter aus der Branche hier zusammengeschlossen.

Mitten in diesen Umbruchszeiten, in denen Künstler und Filmschaffende zunehmend ihre Interessen öffentlich machen, laufen auch die Tarifverhandlungen zwischen dem BFFS  und der Produzentenallianz.

Und wieder einmal beweist der BFFS kreative Darstellungskraft und ein Get-Together der friedlichen Art, um auf die folgenden Misstände aufmerksam zu machen. „Gehen wir jetzt alle baden“ heißt der spaßige Ernst, der mit diesen Worten im Rahmen des Filmfest Münchens zum Plantschen aufruft:

„…was wird eigentlich gefeiert?

Dass die Quote auch im öffentlich-rechtlichen Sender inzwischen der einzige Maßstab zu sein scheint?
Dass der Stellenwert fiktionaler Programme im deutschen Fernsehen immer weiter sinkt?
Dass Filme, Serien und Reihen immer billiger produziert werden?
Dass immer mehr Kollegen weniger verdienen als unsere vierbeinigen Freunde, die Hunde?
Dass von Schauspielern zunehmend mit der größten Selbstverständlichkeit erwartet wird, unentgeltlich zu arbeiten?
Dass Produktionsfirmen zunehmend Reise-, Übernachtungs- und Castingkosten auf die Schauspieler abwälzen?
Dass Produktionsfirmen zunehmend Praktikantenkosten vom Filmteam bezahlen lassen?
Dass Produktionsfirmen zunehmend gegen Arbeitsschutzgesetze verstoßen?
Dass es inzwischen fast nur noch Buy-out-Gagen gibt?

Da stellt sich eigentlich eher die Frage: Gehen wir jetzt alle baden? Ja, genau das tun wir. Und zwar am:

Samstag, den 25. Juni 2011
anlässlich des Münchener Filmfestes
um 12:00 Uhr
am Stachus-Brunnen, Karlsplatz.

Bitte erscheint zahlreich, bringt Getränke und Badesachen mit (oder auch nicht, je nachdem, welche Fotos ihr wollt) und begegnet der Situation in angemessener Feierlaune. Herzliche Grüße, der BFFS Vorstand“

(Quelle: BFFS Newsletter vom 20.06.2011)

Ich würde sagen, das wird ein feucht-fröhliches Event bei dem Schauspieler sowie Filmschaffende sich zeigen sollten! Mit friedvollen Wasserbomben oder auch nur Fußtritten im Brunnen…

Ein wesentlicher Grund dafür ist also sicherlich das große Angebot und damit gepaart das leidenschaftliche und triebgesteuerte Bedürfnis aller Schauspieler vor der Kamera zu stehen oder auf der Bühne zu sein. Anfänger sind auf das Material angewiesen, erfahrene Schauspieler freuen sich über gute Drehbücher, die ihnen andere Spielfacetten abseits der stereotypischen Fernsehrollen ermöglichen. Manche Profis sehen es auch als „good-will“ und Nachwuchsförderung, dem jungen Film durch ihre Mitwirkung zu einem Mehrwert zu verhelfen.

Doch in welchem Beruf gibt es das überhaupt, dass man freiwillig und immer wieder „umsonst“ arbeitet? Oder kriegt man einen Handwerker, einen Steuerberater, einen Physiotherapeuten dazu, unentgeltlich tätig zu sein??? Absurd! Wenn es nicht gerade enge Freunde sind. Aber in unserer geliebten Film- und Fernsehbranche lebt und blüht vieles nur auf, weil es durch „low-Budget“, „No-Budget“ oder unschöner ausgedrückt „Dumping“ überhaupt möglich ist. Wer steht hier in der Verantwortung? Produzenten? Sendeanstalten? Die Filmförderung?
In jedem Fall ist klar, dass auch die Filmstudenten gezwungen sind, ins low-Budget zu gehen, um ihre Debüt- oder Abschlußfilme erst einmal realisieren zu können. Auch hier ist der Markt wohl stark überlaufen.

Alle Mitwirkenden einer Nachwuchsproduktion leisten also gemeinsam viel vor, um gute Qualität, gute Arbeit, ein wertvolles Werk zu schaffen. Wo gibt es das schon? Qualität fast zum Nullpreis! Diese Ansprüche, die Filmemacher und Schauspieler gleichermaßen leidenschaftlich vertreten, sollten von der Branche weder ausgenutzt, noch von jungen Filmemachern als selbstverständlich gehalten werden. Am Ende des Tages leistet auch der Schauspieler mühevolle Arbeit, investiert Zeit, sperrt Termine, verzichtet auf andere Erwerbsquellen, setzt sich inhaltlich mit einem Buch und der Rolle intensiv auseinander. Er geht in eine Arbeitshaltung über, unabhängig davon, ob das Engagement vergütet ist oder nicht. Unzuverlässige Schäfchen lassen wir mal außen vor. Die gibt es immer und überall, egal in welcher Sparte.

Es sollte auch ein Bewußtsein dafür da sein, dass Schauspieler keine funktionierenden Maschinen sind. Natürlich sind sie darin ausgebildet, Gefühle und seelische Zustände der Figuren in kürzester Zeit vor der Kamera zu transportieren, sie glaubhaft auf den Punkt zu bringen. Aber es unterliegt auch der Verantwortung des Teams, des ganzen Settings, diese höchste Kunst der Konzentration, der Intimität, Ruhe und Spannungskraft, die ein Schauspieler braucht, durch eine positive Atmosphäre zu schaffen. Fachlich talentierte Regiestudenten sind ganz neuen Herausforderungen ausgesetzt, wenn sie plötzlich am Set einem etablierten Schauspieler gegenüber stehen. Manche sind dabei überfordert, möchten natürlich eine gute Diplomarbeit abliefern, tolle Bilder kreieren und müßen die technische Umsetzung aller Departements im Auge behalten, dafür Sorge tragen, dass alles bis ins letzte Detail rund läuft. Dabei verlieren sie manchmal das Wesentliche aus dem Auge: Die Schauspieler, die das Projekt letztendlich mit ihren Gesichtern repräsentieren. Die Qualität und Bildkraft fällt und steht nicht zuletzt auch mit der Darstellung der Schauspieler. Damit ein Schauspieler seine Energie und Konzentration also bewahrt und das Beste daraus schöpfen kann, müssen alle Glieder am Set dieses gewisse Feingefühl füreinander aufbringen. Schlechte Stimmung unter den Stabmitgliedern, Übermüdung, Zeitdruck, Hetzen, Gereiztheit, nervige Unterbrechungen… all das kennen wir im Setalltag und es läßt sich nie ganz vermeiden. Doch diese Spannungen übertragen sich auch stark auf die Psyche der Schauspieler, beeinflussen ihre Konzentration und folglich die Spielqualität. Manche Abteilungen wissen gar nicht, warum Schauspieler am Set so „gepampert“ werden. Es wird mit divenhaften Klischees in Verbindung gebracht oder mit der Vorstellung, dass man den Schauspieler als etwas „besonderes“ behandeln müsste. Aber darum geht es keinesfalls! Zunächst einmal sollte jeder in einem Team mit dem gleichen Respekt behandelt werden und einen positiven Umgang zu allen pflegen. Egal ob Kabelträger, Regieassi oder der Star.

Was nun Schauspieler und ihre „Sonderwünsche“ angehen: Einen ruhigen Raum zum Rückzug zur Verfügung stellen, ausreichend Schlaf, kein Stress, ein möglichst harmonisches Umfeld bieten u.s.w. dient ausschließlich dazu, die optimalste Leistung von Darstellern zu erzielen und sollte im eigenen Interesse der Produktion stehen.
Je ausgeglichener und entspannter ein Schauspieler am Set ist, desto höher das spielerische Einfühlungsvermögen. Die erarbeitete Rolle ist zwar verinnerlicht und technisch abrufbar, aber die Psyche ist ja unser Werkzeug und in gewisser Weise auch tagesformabhängig. Wir nehmen äußere Einflüße ja dennoch wahr. Negative Ablenkungen können mental schaden. Texthänger, Overacting, unnatürliche Wiedergabe einer Szene können die Folge sein. Und am Ende des Tages fragt keiner im Kino danach, ob der Schauspieler 16 Std. täglich am Set war oder die Heizung im Wohnwagen bei minus 10 Grad nicht funktioniert hat. Der Schauspieler ist im Endeffekt als Aushängeschild  der Produktion dem Urteil des Publikums ausgesetzt.

Aber wie läßt sich die Zusammenarbeit zwischen Filmstudenten und Schauspielern und Agenturen nun optimieren? Neben den wirklich reibungslosen und tollen Studentenfilmen scheint es gelegentlich die unkorrekten Beispiele zu geben, wo no-goes zur Regel werden. Ich bin überzeugt, die Defizite kommen überwiegend durch Unkenntnis, mangelnde Erfahrung oder Naivität auf. Weniger aus Absicht oder Kalkül. Die Sensibilisierung für die gegenseitige Arbeit sollte stets geschult und professionalisiert werden. Im Rahmen der BFFS-Stammtische begrüßten wir bereits einige Male Vertreter von Filmhochschulen, mit denen wir sehr offen, kollegial und interessiert einen Dialog führten. Grundsätzlich appelieren wir zu einer intensiveren Auseinandersetzung mit diesen Themen innerhalb des Studienverlaufs. Oft hat man den Eindruck, dass die Studenten allein auf die technischen, produktionswirtschaftlichen und visuellen Notwendigkeiten konzentriert sind. Doch wie werden die anderen Bereiche abgedeckt? Werden Studienangebote zu „Schauspielführung“, „Verhalten am Set“, „Verträge mit Schauspielern“, „Formalitäten“, „Akquise“, „Agenturen“, „Casting“ „branchenübliche Bedingungen“ u.s.w. in der Praxis ausreichend trainiert? Welche Angebote und Schwerpunkte setzen die Unis und privaten Filmakademien in diesem Bereich? Oder unterliegt es der eigenen Verantwortung der Nachwuchsregisseure, sich mit diesen Aufgabengebieten eigenständig vertraut zu machen?

Es ist auch eine Persönlichkeitsfrage wie offen, selbstsicher, kommunikationsfähig, sensibel, diplomatisch und gar pädagogisch Regisseure ihre Akteure an die Hand nehmen können. Wie sie ihre Regieanweisungen vermitteln, wie aufnahmefähig auf Vorschläge oder Kritik von Schauspielern eingegangen wird. Wie sie neben all dem Produktionsdruck und Zeitmangel noch in der Lage sind, für ihre Schauspieler die bestmögliche Arbeitsumgebung am Set zu schaffen.

Eine gute Arbeitsbeziehung sowie Vertrauen fängt schon in der Vorstufe an!
Aus häufigen Fallberichten stelle ich hier einige Klassiker vor:

Agenturanfrage, die erste Hemmschwelle
Wieso werden Schauspieler, die von Agenturen vertreten werden immer wieder persönlich via mail oder Anruf kontaktiert? Den Agenten zu umgehen zeigt Unsicherheit. Der Agent ist der engste Berater und Karrierebegleiter der Schauspieler. Die Filmstudenten haben teilweise vielleicht Angst, sich der professionellen Institution „Agentur“ zu stellen oder möchten eine Ablehnung vermeiden. Sie suchen natürlich auch den direkten persönlichen Kontakt zum Schauspieler. Was sie dabei übersehen ist, das wir Schauspieler trotzdem – und allen voran – unsere Agenten einbeziehen (müssen), mit ihnen das Projekt und die Rolle besprechen, beraten, Termine abklären u.s.w.
Wenn die Filmemacher also seriös und überzeugend auftreten möchten, sollte der Weg über die Agentur nicht ausgeklammert werden. Ganz klar, wenn der man den Schauspieler bereits persönlich kennt oder über Empfehlungen auf ihn aufmerksam wurde, ist es völlig in Ordnung auch direkt auf den Schauspieler zu zugehen.

Anforderungen bei ersten Anfragen
Diverse Institutionen berichten, dass die Ansprüche an die Schauspieler von seiten der Produktionen immer höher werden. Vorab werden Materialen, Daten, Termine, Sperren und viele weitere Anforderungen gestellt, ohne dass zunächst auch ein umgekehrter Einblick erfolgt. Was hat dagegen die Produktion zu bieten? Angaben zu Referenzen des Regisseurs, Drehbucheinblick, grobes Budget, Lauflänge, verwendete Technik, konkrete Produktionszeit, geplante Auswertungen,… Sich mit dieser Transparenz zurück zu halten, aber vom Gegenüber möglichst alles im voraus einzuholen, legt keinen guten Start vor.
Ich kenne Beispiele aus Studentenproduktionen, die in ihren ersten Anfragen Fotos in aufwendigen Kostümen einfordern – in alternativen Varianten versteht sich – ohne dass im Vorfeld überhaupt mal eine Angabe zur Rolle oder zum Buch gemacht wird. Manche fordern sogar verbindliche Zusagen, bevor wesentliche Angaben offenkundig sind und besprochen wurden. Basicdaten werden – auch wenn sie erst nur grob oder ansatzweise feststehen – wohl nicht immer automatisch kommuniziert. Wenn Schauspieler hier schon hinterher rennen müssen, um zu erfahren wer die Regie macht, ob nun auf der RED oder doch nur DV gedreht wird, ob 60 Minuten oder dann plötzlich nur 30 Minuten Lauflänge übrig bleiben, sind das natürlich ausschlaggebende Werte, die für eine Zu- oder Absage entscheidend sein können.

Anreise zum Casting
Hierbei fällt auf, dass es immer selbstverständlicher wird, dass Schauspieler für einen unbezahlten Dreh quer durch die Republik zum Casting oder einem ersten Kennenlernen anreisen sollen. Man muss evtl. unterscheiden zwischen Anfängern und etablierten Schauspielern, die jahrelang im Berufsleben stehen. Für Anfänger ist ein Studentenfilm immernoch eine win-win Situation. Bei „älteren“ oder erfahreneren Schauspielern kann allerdings nicht unbedingt vorausgesetzt werden, dass sie auf eigene Kosten zum Casting fahren/fliegen würden.

Sperrtermine
Es wird drum gebeten, dass man sich für den Produktionszeitraum nun alles frei hällt, frei schaufelt, andere (bezahlte!) Engagements sogar sperrt, absagt, um am Ende zu erfahren, dass plötzlich jemand anderes die Rolle bekommt. Bitter, aber wahr! Hat es alles schon gegeben.
Falls sich ein vergütetes Angebot im Produktionszeitraum für den Schauspieler ergeben sollte, wäre es nur fair, wenn man versucht, dies zu ermöglichen. Manche sind da sehr flexibel, kulant und verständnisvoll und schmeißen ihren kompletten Drehplan um, sodass der Schauspieler parallel den Erwerb mitnehmen kann. Sowas ist top und wird sich mit nachhaltiger Verbundenheit bezahlt machen.

Verträge:
Einigen rollen sich die Fußnägel hoch, wenn man sie von Beginn an auf einen Vertrag anspricht. Erstens will man scheinbar immernoch auf die Formalitäten verzichten, zweitens sind sie damit teilweise überfordert. Wenn es dann heißt, „wir können aber eh keine Versicherung übernehmen“, bspw. im Falle eines Unfalls – von Sozialversicherung brauchen wir gar nicht erst zu reden – oder „wir haben ja im Grunde gar kein Budget“, wird damit versucht, die Relevanz eines Vertrages zu minimieren.
Doch ein Vertrag sichert ja nicht nur die Interessen des Schauspielers ab, wie Rückstellung einer Gage oder Erfolgsbeteiligung bei gewinnbringender Auswertung. Die Studenten können anhand eines Vertrages die zeitliche Verfügbarkeit des Schauspielers sicherstellen und sollten auch unbedingt die u.a. die Bildrechte mit Hilfe eines Vertrages klären. Verwunderlich finde ich, dass manche Unis offenbar Vorlagen dazu parat haben, andere wiederum gar nicht. Meistens werden diese Dokumente dann als universelle Variante ohne individuelle Anpassung dann von einer Produktion zur nächsten weiter gereicht. Was inhaltlich da verabredet wird, ist einigen scheinbar gar nicht geläufig.

Material nach dem Dreh
Last but not least ist einer der häufigsten und mit Abstand ärgerlichsten no-goes in der Zusammenarbeit: Nicht aushändigen des Materials!
Liebe Studenten, das einzige was den Schauspielern am Ende des Tages für ihren Einsatz bleibt und bereit gestellt werden sollte ist das Material!!! Undzwar nicht nach 2 Jahren, oder nachdem der Schasupieler schon 10 mal danach gefragt hat und hinterher rennen mußte, sondern unaufgefordert und möglichst vor oder gleich im Anschluß der Premiere. Ich kenne keinen einzigen Schauspieler, der diese Erfahrung nicht schon mindestens einmal gemacht hat. Und das ist unterm Strich wirklich undankbar. Und als i-Tüpfelchen nicht mal im Abspann erwähnt zu werden, ist achtlos und erweckt den Eindruck der geringen Wertschätzung nur noch mehr.

Auf ein gewisses natürliches Chaos ist jeder noch so erfahrene Schauspieler eingestellt. Man weiß diesen Lernprozess einzuordnen und die Erfahrungswerte steigen ja von Produktion zu Produktion. Dafür ist in der Regel Verständnis gegeben. Im übrigen ist Chaos ja selbst bei den hochkarätigsten TV- oder Kinoproduktionen immer mal wieder Gang und Gäbe.

Aber Fazit ist: Respekt, Anerkennung und ein rücksichtvoller Umgang miteinander ist das Wenigste und Mindeste, womit wir Kreativen unsere gegenseitige Dankbarkeit ausdrücken können und sollten. Denn wir ziehen im Grunde alle am selben Strang!

Weitere Meinungen dazu?
- Wie sind die Erfahrungen der ZAV und privaten Agenturen mit Studentenproduktionen?
- Wie beurteilen das die Leiter und Lehrkräfte der Filmhochschulen?
- Wie erleben das die Filmstudenten selbst?